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Fresh (Film)

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Premier long métrage de Mimi Cave, Fresh (2022) commence comme une comédie romantique et bascule dans l’horreur : une jeune femme lassée des applications de rencontre croit avoir trouvé l’homme idéal. Aucune loge ni symbole maçonnique ici, mais un réseau clandestin au service d’une clientèle fortunée. Le film rejoint ainsi l’imaginaire des cercles d’élites qui se réservent ce qui est interdit aux autres.

De quoi parle Fresh ?

À Portland, Noa enchaîne les rendez-vous décevants. Au rayon fruits et légumes d’un supermarché, elle rencontre Steve, chirurgien drôle et attentionné. Les choses vont vite, et il l’invite à passer un week-end loin de la ville. Sa meilleure amie Mollie s’inquiète de ne pas parvenir à joindre Noa, tandis que celle-ci découvre la véritable nature de son compagnon.

Écrit par Lauryn Kahn, le film réunit Daisy Edgar-Jones et Sebastian Stan. Présenté au Festival de Sundance en janvier 2022, il a été diffusé en mars sur Hulu aux États-Unis et sur Disney+ ailleurs. L’accueil critique fut globalement favorable, saluant le mélange de satire des rencontres en ligne et de tension horrifique.

Une clientèle secrète, pas une société initiatique

Le « secret » de Fresh n’a rien d’ésotérique : c’est un commerce clandestin, réservé à quelques riches clients, où le corps des femmes devient marchandise. Il n’y a ni rituel, ni grade, ni symbole ; seulement la discrétion qu’impose le crime et la complicité de ceux qui paient. Le film figure dans la filmographie parce qu’il actualise le vieux fantasme d’une élite qui s’arroge des jouissances interdites, à l’abri de ses réseaux.

Cette distinction mérite d’être faite. La Franc-maçonnerie est discrète sur ses rites, mais elle n’est pas une société de l’ombre : ses obédiences sont déclarées, ses temples identifiés, ses valeurs publiques. Confondre la discrétion d’une communauté initiatique avec la clandestinité d’un réseau criminel est l’une des confusions les plus tenaces de l’imaginaire antimaçonnique.

Lecture symbolique : l’autre réduit à l’objet

Fresh parle d’abord de consommation : des applications qui font défiler des visages, des corps qu’on évalue, des personnes réduites à des produits. Son horreur tient dans ce glissement, poussé à son terme. À l’opposé, toute démarche fraternelle repose sur la reconnaissance de l’autre comme sujet, égal en dignité.

Le film suggère aussi que le piège se referme par la séduction et la confiance accordée trop vite. La prudence que les rites d’admission imposent, avec leurs enquêtes et leurs délais, prend ici une résonance inattendue : on ne se donne pas à un cercle, ni à une personne, sans savoir qui l’on rejoint.

Un genre en vogue

Fresh appartient à une vague récente de films d’horreur satiriques où les riches deviennent littéralement des prédateurs, aux côtés de titres comme Wedding Nightmare. Le procédé est le même : prendre au pied de la lettre une expression courante, ici celle qui fait de l’autre un « morceau de choix », pour en tirer une critique sociale.

Ce cinéma dit quelque chose de notre temps : la défiance envers ceux qui possèdent, et la tentation de les imaginer réunis en confrérie occulte. Le maçon, qui connaît la réalité ordinaire des loges, a tout intérêt à distinguer ce fantasme du cercle d’initiés de ce qu’est une fraternité réelle, faite de travail, de débat et d’égalité.

Fiche technique

  • Titre original : Fresh
  • Année : 2022
  • Pays : États-Unis
  • Réalisation : Mimi Cave
  • Scénario : Lauryn Kahn
  • Interprètes : Daisy Edgar-Jones, Sebastian Stan, Jonica T. Gibbs, Charlotte Le Bon, Dayo Okeniyi
  • Durée : 1 h 54
  • Genre : Thriller, horreur, comédie noire
  • Diffusion : Hulu (États-Unis), Disney+ (international)

Voir aussi dans le glossaire : Élites, Confusion entre secret et dissimulation, Reconnaissance.

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Rosemary’s Baby (Film)

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Chef-d’œuvre de Roman Polanski d’après le roman d’Ira Levin, Rosemary’s Baby (1968) enferme une jeune femme enceinte dans un immeuble new-yorkais où ses voisins semblent conspirer autour d’elle. Le film ne parle pas de Franc-maçonnerie, mais d’un cercle sataniste discret et bienveillant en apparence. Il éclaire la mécanique de la paranoïa et le fantasme du voisin initié, si souvent projeté sur les loges.

De quoi parle Rosemary’s Baby ?

Rosemary et Guy Woodhouse, jeune couple, emménagent au Bramford, vieil immeuble gothique de Manhattan à la réputation sinistre. Leurs voisins, Minnie et Roman Castevet, couple âgé, envahissant et chaleureux, se prennent d’affection pour eux. Guy, acteur en mal de rôles, voit soudain sa carrière décoller ; Rosemary tombe enceinte. Commence alors une grossesse douloureuse, entourée de prévenances qui ressemblent de plus en plus à une surveillance.

Premier film américain de Polanski, produit par William Castle, Rosemary’s Baby réunit Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer et Ralph Bellamy. Ruth Gordon y a reçu l’Oscar du meilleur second rôle féminin, et le film est entré en 2014 au National Film Registry américain. Les extérieurs ont été tournés devant le Dakota, l’immeuble qui avait servi de modèle à Levin.

Un cercle sataniste, pas une loge

Le secret du film appartient au registre de la sorcellerie et du satanisme, non à celui de la Franc-maçonnerie. Ce qui intéresse le lecteur maçon, c’est la forme que prend ce secret : un réseau de personnes ordinaires, âgées, polies, insérées dans la vie sociale, qui se connaissent, s’entraident et se réunissent à huis clos. Rosemary ne voit jamais de cérémonie au grand jour ; elle déduit, recoupe, soupçonne, et le spectateur avec elle.

Ce schéma est exactement celui que l’accusation de satanisme a appliqué aux loges depuis la fin du XIXᵉ siècle, notamment avec les mystifications de Léo Taxil. Le film n’y fait pas allusion, mais il montre de l’intérieur comment naît la conviction d’un complot : par l’accumulation de signes ambigus et l’isolement de celle qui les lit.

Lecture symbolique : la dépossession

La grande force de Polanski est de ne jamais trancher trop tôt entre complot réel et délire. Rosemary est dépossédée de son corps, de ses choix médicaux, de sa parole, et chacun de ses doutes est retourné contre elle. Le film devient ainsi une méditation sur l’emprise, que l’on peut opposer terme à terme à l’initiation véritable : celle-ci requiert un consentement libre et éclairé, celle-là s’impose dans le dos de la personne.

On notera aussi le motif de l’anagramme et du nom caché, qui joue un rôle dans l’enquête de Rosemary : le secret y est une langue codée qu’il faut apprendre à lire, comme dans tant de récits initiatiques, mais retournée ici contre celle qui cherche.

Postérité

Le roman d’Ira Levin (1967, Un bébé pour Rosemary en français) a connu une suite télévisée en 1976, une minisérie en 2014 avec Zoe Saldaña et une préquelle, Apartment 7A, en 2024. Levin est aussi l’auteur des Femmes de Stepford, autre fable sur un cercle qui conspire autour d’une femme.

Fiche technique

  • Titre original : Rosemary’s Baby
  • Année : 1968
  • Pays : États-Unis
  • Réalisation : Roman Polanski
  • Scénario : Roman Polanski, d’après le roman d’Ira Levin
  • Interprètes : Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer, Ralph Bellamy
  • Durée : 2 h 17
  • Genre : Horreur, thriller psychologique

Voir aussi dans le glossaire : Accusation de satanisme, Satanisme, Secte.

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Society (Film)

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Premier film de Brian Yuzna, Society (1989) suit un adolescent de Beverly Hills persuadé que sa famille et le beau monde qui l’entoure cachent un terrible secret. Satire sociale déguisée en film d’horreur corporelle, l’œuvre est devenue culte pour ses effets spéciaux extravagants. Elle ne montre aucune loge, mais pousse jusqu’au délire le fantasme d’une élite fermée qui se nourrit littéralement des autres.

De quoi parle Society ?

Bill Whitney a tout pour être heureux : une famille riche, une belle maison, une place enviée au lycée. Il se sent pourtant étranger chez lui. Ses parents et sa sœur fréquentent une société très sélecte dont les fêtes l’inquiètent, et un enregistrement compromettant le persuade que quelque chose de monstrueux se joue derrière les sourires. Personne ne le croit, pas même son psychiatre.

Tourné en Californie en 1988 sur un scénario de Woody Keith et Rick Fry, le film a été montré au Festival de Cannes en mai 1989, mais n’est sorti aux États-Unis qu’en 1992. Échec commercial dans son pays, il a été mieux reçu en Europe. Les effets spéciaux de Screaming Mad George, inspirés en partie de Salvador Dalí, lui valent aujourd’hui une réputation culte dans le cinéma d’horreur corporelle.

L’élite comme société secrète

Le titre dit tout : la « bonne société » elle-même est la société secrète. Yuzna ne s’embarrasse ni de rituel maçonnique ni de symbolique ésotérique ; il fait de l’appartenance de classe une affaire de sang et de lignée, avec ses rites mondains, ses initiés et ses exclus. C’est en ce sens, et en ce sens seulement, qu’il entre dans une filmographie de la société secrète.

Il faut le préciser, car ce fantasme d’élites prédatrices réunies en cercle fermé est aussi l’un des moteurs du complotisme antimaçonnique. Le film, lui, assume la métaphore : il ne prétend rien révéler, il caricature la morgue des riches et la peur de l’exclusion sociale. On peut le rapprocher d’Eyes Wide Shut, autre récit d’un profane égaré au seuil d’une fête réservée.

Lecture symbolique : l’entre-soi contre la fraternité

Vu par un maçon, Society offre un contre-modèle saisissant. La loge réunit des hommes et des femmes de conditions différentes, qui se reconnaissent égaux en dignité ; la société de Beverly Hills, elle, ne connaît que le privilège de naissance et la consommation de l’autre. Le film pousse jusqu’à l’absurde une fraternité défigurée, où l’on ne s’assemble que pour mieux dévorer.

Le parcours de Bill a aussi les traits d’une initiation inversée : le jeune homme cherche la vérité sur ses origines et sur le cercle qui l’a élevé, mais la lumière qu’il découvre n’éclaire rien d’autre que la domination. À réserver aux amateurs, le film étant particulièrement cru.

Une satire de son époque

Society est un film de la fin des années Reagan, au moment où l’argent facile et l’entre-soi des quartiers riches deviennent des sujets de satire. Sous ses outrances, il raconte une angoisse adolescente très ordinaire : ne pas se reconnaître dans sa propre famille, soupçonner que les adultes jouent une comédie dont on ignore les règles. Le fantastique ne fait que donner corps à ce malaise.

Le film rappelle enfin que l’imaginaire de la société secrète est d’abord un langage pour parler du pouvoir. Lorsqu’on y projette la Franc-maçonnerie, on se trompe d’objet : ce que Society vise, ce n’est pas une confrérie initiatique, mais la reproduction des privilèges.

Fiche technique

  • Titre original : Society
  • Année : 1989
  • Pays : États-Unis
  • Réalisation : Brian Yuzna
  • Scénario : Woody Keith, Rick Fry
  • Interprètes : Billy Warlock, Devin DeVasquez, Evan Richards, Ben Meyerson
  • Durée : 1 h 39
  • Genre : Horreur, satire

Voir aussi dans le glossaire : Élites, Fraternité défigurée, Imaginaire antimaçonnique.

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Et l’homme créa la femme – The Stepford Wives (Film)

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Dans Et l’homme créa la femme (2004), Frank Oz adapte sur le ton de la satire le roman d’Ira Levin : à Stepford, les épouses sont d’une perfection inquiétante et les maris se retrouvent dans une très exclusive « Association des hommes ». Aucune loge ici, mais un club masculin fermé qui fabrique la soumission. De quoi rappeler, par contraste, ce qu’une véritable fraternité doit à la liberté de chacun.

De quoi parle Et l’homme créa la femme ?

Joanna Eberhart, brillante dirigeante de télévision, perd son poste du jour au lendemain. Son mari Walter l’emmène s’installer avec leurs enfants à Stepford, banlieue cossue du Connecticut. Tout y est impeccable, jusqu’aux épouses, souriantes, dévouées, figées dans un idéal domestique d’un autre âge. Avec Bobbie, écrivaine caustique, et Roger, nouvel arrivant, Joanna commence à se demander ce qui se passe dans la maison où les maris passent leurs soirées.

Le film réunit Nicole Kidman, Matthew Broderick, Bette Midler, Glenn Close et Christopher Walken, sur un scénario de Paul Rudnick. Le tournage fut difficile, et des projections test décevantes conduisirent le studio à faire retourner des scènes. L’accueil critique fut largement négatif.

D’Ira Levin au remake

Le roman d’Ira Levin, The Stepford Wives (1972, publié en français sous le titre Les Femmes de Stepford), est une fable glaçante sur la peur masculine de l’émancipation des femmes. Une première adaptation, réalisée par Bryan Forbes en 1975 avec Katharine Ross, en gardait la noirceur. Le film de 2004 en est le remake, mais il bascule vers la comédie et la satire du conformisme de banlieue. Levin est aussi l’auteur de Rosemary’s Baby, autre récit d’une femme seule face à un cercle qui conspire autour d’elle.

Un club d’hommes, pas une loge

L’« Association des hommes » de Stepford a tout du cliché de la société masculine fermée : un bâtiment réservé, des réunions où les épouses n’entrent pas, des notables cooptés, un secret partagé entre membres. C’est pour cette raison que le film figure dans les filmographies de la société secrète. Mais rien n’y renvoie à la Franc-maçonnerie : ni rituel, ni symbole, ni démarche initiatique.

La confusion mérite pourtant d’être dissipée, car l’image du club masculin fermé colle encore à la Franc-maçonnerie. Si certaines obédiences restent masculines, la maçonnerie française compte depuis longtemps des obédiences mixtes et féminines, et nulle loge digne de ce nom ne se donne pour objet de soumettre qui que ce soit. Le film décrit exactement le contraire d’une fraternité : un entre-soi qui se nourrit de la dépossession des autres.

Lecture symbolique : la perfection sans liberté

Stepford est un monde de surfaces lisses. Les épouses y sont sans aspérités, comme une pierre dont on aurait effacé le grain au lieu de la tailler. C’est l’inverse du travail sur la pierre brute, qui suppose un sujet libre, conscient de ses défauts et maître de son propre perfectionnement.

Le film rappelle ainsi, par l’absurde, que toute entreprise de perfectionnement imposée de l’extérieur n’est qu’un dressage. La perfection voulue par d’autres que soi n’a rien d’une élévation.

Fiche technique

  • Titre original : The Stepford Wives
  • Année : 2004
  • Pays : États-Unis
  • Réalisation : Frank Oz
  • Scénario : Paul Rudnick, d’après le roman d’Ira Levin
  • Interprètes : Nicole Kidman, Matthew Broderick, Bette Midler, Glenn Close, Christopher Walken, Roger Bart, Faith Hill
  • Durée : 1 h 33
  • Genre : Comédie, science-fiction, satire

Voir aussi dans le glossaire : Femme, Mixité, Fraternité défigurée, Liberté.

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Suspiria (Film)

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Avec Suspiria (2018), Luca Guadagnino revisite le classique de Dario Argento : une jeune Américaine intègre une compagnie de danse berlinoise tenue par un cercle de sorcières. Le film ne parle pas de Franc-maçonnerie, mais il met en scène, avec une rare intensité, une transmission de maîtresse à élève, des épreuves du corps et une communauté fermée. Une méditation troublante sur l’initiation dévoyée.

De quoi parle Suspiria ?

Berlin-Ouest, 1977, pendant l’« automne allemand » marqué par le terrorisme de la Fraction armée rouge. Susie Bannion, jeune danseuse venue de l’Ohio, est admise dans la prestigieuse compagnie Markos, au moment où une élève disparaît. Remarquée par la chorégraphe Madame Blanc, elle progresse à une vitesse prodigieuse, tandis qu’un vieux psychothérapeute enquête sur ce qui se trame dans les étages de l’académie.

Écrit par David Kajganich, le film réunit Dakota Johnson, Mia Goth, Chloë Grace Moretz et Tilda Swinton, qui y tient plusieurs rôles. Thom Yorke en a composé la musique. Présenté à la Mostra de Venise en 2018, il a divisé la critique, admirée pour sa mise en scène et ses chorégraphies, discutée pour sa longueur et son arrière-plan politique.

D’Argento à Guadagnino

L’original de 1977, réalisé par Dario Argento et coécrit avec Daria Nicolodi, se déroulait dans une école de danse de Fribourg et ouvrait la trilogie des « Trois Mères ». Argento s’inspirait librement de Suspiria de Profundis de Thomas De Quincey, où apparaissent trois figures maternelles du chagrin. Le film de Guadagnino, qui se veut un hommage plus qu’un remake, garde ce mythe mais remplace les couleurs saturées et la partition du groupe Goblin par une palette froide et une réflexion sur la culpabilité allemande.

Une société secrète, pas une loge

Aucune loge, aucun symbole maçonnique dans Suspiria. L’académie est gouvernée par un cercle de femmes qui délibèrent, votent, se disputent la direction et se transmettent un savoir caché : c’est l’image d’une société secrète, non celle d’une obédience. Sa présence dans la filmographie tient à la structure : un lieu clos, une hiérarchie, une élue, et la promesse d’un savoir réservé.

La danse y tient lieu de rituel. Chaque mouvement agit sur les corps, parfois avec violence ; l’élève qui se donne entièrement à l’enseignement est littéralement façonnée par sa maîtresse. C’est là que le film devient instructif pour le maçon, comme contre-modèle.

Lecture symbolique : l’initiation dévoyée

La tradition initiatique fait de l’apprentissage une libération : on reçoit des outils pour se construire soi-même, jamais pour être possédé par autrui. Suspiria montre l’inverse, une initiation dévoyée où le disciple sert de réceptacle à une puissance qui le dépasse et où l’épreuve devient sacrifice. Le corps n’y est pas la pierre que l’on taille, mais la matière que l’on consomme.

Le film pose pourtant, à sa manière, des questions qui intéressent tout initié : qu’est-ce que transmettre ? Que doit-on à ceux qui nous précèdent ? Où passe la frontière entre l’autorité d’un maître et l’emprise ? Il le fait sans réponse rassurante, dans un registre d’horreur qui ne convient pas à tous les publics.

Fiche technique

  • Titre original : Suspiria
  • Année : 2018
  • Pays : Italie, États-Unis
  • Réalisation : Luca Guadagnino
  • Scénario : David Kajganich, d’après le film de Dario Argento et Daria Nicolodi
  • Interprètes : Dakota Johnson, Tilda Swinton, Mia Goth, Chloë Grace Moretz, Jessica Harper
  • Durée : 2 h 32
  • Genre : Horreur, fantastique
  • Musique : Thom Yorke

Voir aussi dans le glossaire : Contre-initiation, Initiation incomprise, Apprentissage, Occultisme.

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Razor Blade Smile (Film)

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Film de vampire britannique tourné avec un budget minuscule, Razor Blade Smile (1998) suit Lilith Silver, tueuse à gages immortelle chargée d’éliminer les membres d’une secte « Illuminati » aux allures maçonniques. Esthétique gothique, cuir et ironie : Jake West signe une série B devenue culte. Pour le lecteur maçon, l’intérêt est ailleurs : voir comment le mot Illuminati sert de décor commode à une guerre de prédateurs.

De quoi parle Razor Blade Smile ?

Image du film Razor Blade Smile

En 1850, Lilith Silver veut venger la mort de son amant, tué en duel par Sir Sethane Blake. Mortellement blessée, elle est transformée en vampire par celui-là même qu’elle voulait abattre. De nos jours, à Londres, elle vit de contrats d’assassinat et prend pour cibles, un à un, les membres d’une organisation secrète dont Blake est le maître, tandis qu’un inspecteur de police se met à la traquer.

Écrit, réalisé, monté et coproduit par Jake West, le film a été tourné pour une somme dérisoire, ce qui en ferait l’un des plus petits budgets britanniques jamais sortis en salles. Eileen Daly y trouve son rôle emblématique ; David Warbeck, figure du cinéma bis, y fait sa dernière apparition. La critique fut sévère, mais le film a gagné un public fidèle et plusieurs prix dans un festival consacré à la série B.

Des « Illuminati » maçonniques… de pure fantaisie

L’organisation que combat Lilith est présentée comme une secte d’« Illuminati » à coloration maçonnique : hommes de pouvoir, réunions discrètes, emprise sur la police. Le film n’entre dans aucun détail rituel ; il emprunte seulement le vocabulaire et l’aura du complot, comme un décor de bande dessinée.

Rappelons la réalité historique : les Illuminés de Bavière, fondés en 1776 par Adam Weishaupt, furent un ordre éphémère, interdit et dissous dès les années 1780. Leur survivance occulte et leur confusion avec la Franc-maçonnerie relèvent de la littérature contre-révolutionnaire, puis du complotisme contemporain. Razor Blade Smile ne prétend d’ailleurs à aucune vérité : il joue avec ce cliché en connaissance de cause, sur le mode du pastiche.

Le secret comme terrain de chasse

Ce qui frappe, vu avec des yeux de maçon, c’est que le secret n’y est jamais un chemin intérieur. Il est un territoire que se disputent des prédateurs : la vampire et la secte partagent la même logique de domination, de dépendance et de sang. Le film illustre ainsi, presque malgré lui, une fraternité défigurée, réduite à un réseau d’influence.

On peut aussi y lire, sous la parodie, le motif de la transmission pervertie : Lilith reçoit sa « vie nouvelle » de celui qu’elle hait, comme une initiation imposée par la violence. Rien n’y est symbolique au sens où l’entend la tradition maçonnique, mais le contraste est instructif.

Une série B consciente d’elle-même

Le film multiplie les clins d’œil : générique à la manière des James Bond, passages en noir et blanc, costumes de cuir et de vinyle, héroïne qui démonte un à un les clichés du vampirisme. Tout y est assumé comme un jeu, jusque dans sa construction, qui réserve une surprise que nous ne dévoilerons pas.

C’est aussi ce qui le rend intéressant pour une filmographie maçonnique : il montre à quel point le motif des Illuminati est devenu, à la fin des années 1990, un accessoire de genre, aussi interchangeable qu’une cape ou une paire de crocs. Le complot n’y est plus une croyance, mais un décor.

Fiche technique

  • Titre original : Razor Blade Smile
  • Année : 1998
  • Pays : Royaume-Uni
  • Réalisation : Jake West
  • Scénario : Jake West
  • Interprètes : Eileen Daly, Christopher Adamson, Jonathan Coote, David Warbeck, Heidi James
  • Durée : 1 h 42
  • Genre : Fantastique, horreur, action

Voir aussi dans le glossaire : Illuminati, Bavarian Illuminati, Franc-maçonnerie fantasmée, Fraternité défigurée.

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Meurtre par décret (Film)

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Sorti en 1979, Meurtre par décret lance Sherlock Holmes et le docteur Watson sur la piste de Jack l’Éventreur, dans un Londres de brouillard et de lanternes. Bob Clark y reprend la thèse, alors toute récente, d’un complot maçonnique protégeant la Couronne. Pour le lecteur maçon, le film est un cas d’école : il montre comment un rituel mal compris et quelques noms empruntés à la légende d’Hiram suffisent à fabriquer un coupable idéal.

De quoi parle Meurtre par décret ?

Affiche du film Meurtre par décret

Londres, automne 1888. Les meurtres de Whitechapel terrorisent l’East End et la police métropolitaine piétine. Des habitants du quartier sollicitent Sherlock Holmes, qui entraîne Watson dans une enquête où se croisent un médium, Robert Lees, une jeune femme internée, Annie Crook, et des notables trop pressés d’étouffer l’affaire. Plus Holmes avance, plus les portes se ferment, et plus le crime semble remonter vers les sommets de l’État.

Coproduction anglo-canadienne réalisée par Bob Clark sur un scénario de John Hopkins, le film réunit une distribution prestigieuse : Christopher Plummer en Holmes, James Mason en Watson, Donald Sutherland, Geneviève Bujold, Anthony Quayle en Sir Charles Warren et John Gielgud en Premier ministre. Il a remporté cinq prix aux premiers Genie Awards canadiens, dont ceux de la réalisation et du meilleur acteur pour Plummer.

Une conspiration maçonnique de fiction

Le scénario s’inspire de The Ripper File d’Elwyn Jones et John Lloyd, et surtout de l’essai de Stephen Knight, Jack the Ripper: The Final Solution (1976). Knight y soutenait que les meurtres avaient été commis par des francs-maçons haut placés pour effacer la trace d’un mariage secret dans la famille royale. Le film transpose cette thèse avec des personnages en partie renommés, et fait de la solidarité entre initiés le ressort d’une omerta d’État.

Le détail le plus frappant concerne l’inscription retrouvée près d’un des crimes, où figure le mot « Juwes ». Holmes y lit une allusion à Jubela, Jubelo et Jubelum, les trois Mauvais Compagnons de la légende d’Hiram, comme si les assassins avaient signé leur forfait. C’est précisément là que le fantasme se trahit : une légende qui enseigne la condamnation du meurtre devient, sous la plume du romancier, un mode d’emploi. Le film culmine d’ailleurs dans une réunion de loge filmée comme un tribunal occulte.

Il faut rappeler que la thèse de Knight est rejetée par les historiens de l’affaire : elle repose sur des témoignages invérifiables et sur l’interprétation d’un graffiti que rien ne permet d’attribuer au tueur. Sir Charles Warren, chef de la police, fut bien un franc-maçon actif, mais cela ne fait pas de lui le protecteur d’un assassin. Le film relève du roman noir, non de l’histoire.

Deux silences face à face

Le regard le plus fécond pour un maçon consiste à opposer deux manières de se taire. Il y a le silence de Holmes, qui observe, compare, laisse mûrir avant de parler : un silence d’attention, proche de celui que l’on demande à l’Apprenti. Et il y a le silence des puissants, qui n’est que dissimulation organisée.

La Franc-maçonnerie demande la discrétion sur ce qui a été confié en loge, jamais la complicité. Aucun serment ne délie la conscience, et un engagement qui couvrirait un crime cesserait d’en être un. En ce sens, Meurtre par décret rend service à qui veut penser la différence entre secret initiatique et loi du silence, même s’il le fait en prenant la Fraternité pour cible.

Une thèse qui a fait école

Le film a contribué à installer durablement l’image d’un Éventreur maçonnique dans la culture populaire. La même thèse sera reprise par Alan Moore et Eddie Campbell dans la bande dessinée From Hell, adaptée au cinéma en 2001. Curiosité pour les cinéphiles : Christopher Plummer, ici Sherlock Holmes, avait incarné Rudyard Kipling, franc-maçon authentique, quatre ans plus tôt dans L’Homme qui voulut être roi.

Fiche technique

  • Titre original : Murder by Decree
  • Année : 1979
  • Pays : Royaume-Uni, Canada
  • Réalisation : Bob Clark
  • Scénario : John Hopkins
  • Interprètes : Christopher Plummer, James Mason, David Hemmings, Susan Clark, Anthony Quayle, Donald Sutherland, Geneviève Bujold, John Gielgud
  • Durée : 2 h 04
  • Genre : Policier, thriller

Voir aussi dans le glossaire : Mauvais Compagnons, Silence, Théories du complot, Confusion entre secret et dissimulation.

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Thirst, ceci est mon sang (Film)

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Prix du jury au Festival de Cannes 2009, Thirst, ceci est mon sang de Park Chan-wook raconte la métamorphose d’un prêtre catholique devenu vampire après une expérience médicale. Librement inspiré de Thérèse Raquin d’Émile Zola, le film n’a rien de maçonnique, mais il explore avec audace la faute, le sacrifice et la frontière entre le sacré et la chair.

De quoi parle Thirst ?

Sang-hyun, prêtre catholique estimé de sa communauté, se porte volontaire pour l’essai d’un vaccin contre un virus mortel. L’expérience échoue, il est contaminé, puis survit grâce à une transfusion sanguine. Mais le sang reçu le transforme : il devient vampire, avec la soif, la force et la vulnérabilité à la lumière que cela suppose.

Considéré comme miraculé par des fidèles, il retrouve un ami d’enfance, Kang-woo, et l’épouse de celui-ci, Tae-ju, qui étouffe dans un foyer sans amour. Entre le prêtre et la jeune femme naît une passion qui va emporter les deux personnages bien au-delà de ce qu’ils imaginaient.

Coécrit par Park Chan-wook et Jeong Seo-kyeong, porté par Song Kang-ho, Kim Ok-vin, Shin Ha-kyun et Kim Hae-sook, le film a reçu le Prix du jury à Cannes, ex aequo avec Fish Tank, et a été largement salué par la critique internationale.

Pourquoi ce film dans une filmographie maçonnique ?

Il faut être net : Thirst ne contient ni Loge, ni société secrète, ni symbole maçonnique. Il figure dans le dossier de 450.fm pour la manière dont il traite le sacré : un homme de foi, voué au service des autres, se trouve soudain habité par une soif qui le contredit en tout. Le titre français, qui reprend la parole de la consécration eucharistique, annonce ce renversement.

Le film n’est ni une charge contre l’Église, ni une apologie du vampirisme. Il observe comment un homme pétri de principes négocie avec lui-même, cherche des accommodements, se ment pour continuer à se croire juste. La question n’est pas de savoir s’il est damné, mais comment il compose avec ce qu’il est devenu.

En cela, il rejoint les interrogations morales qui traversent toute démarche spirituelle sérieuse : la faute, la responsabilité, la possibilité d’une rédemption. Le lecteur maçon, habitué à travailler sur ses propres contradictions, y trouvera matière à réflexion.

Lecture symbolique : mort, sang et lumière

Le parcours de Sang-hyun commence par une mort : il succombe presque à l’expérience, puis revient, transformé. Mais cette renaissance est une inversion de l’initiation : au lieu de s’élever vers la lumière, le prêtre est désormais condamné à la fuir. Il est né une seconde fois, mais pour les ténèbres.

Le sang, qui dans la liturgie chrétienne est signe de vie donnée, devient ici objet de convoitise. Le film met en tension ces deux sens, offrande et prédation, et montre combien la frontière est fragile entre le don de soi et l’appropriation d’autrui.

Sans dévoiler le dénouement, on peut dire que la question de la lumière, de l’aube et du choix final traverse tout le récit. Thirst rappelle que tout passage n’élève pas : ce qui compte, c’est ce que l’on fait de la transformation reçue, et la direction que l’on choisit de donner à sa vie.

Fiche technique

  • Titre original : 박쥐 (Bakjwi)
  • Année : 2009
  • Pays : Corée du Sud
  • Réalisation : Park Chan-wook
  • Scénario : Park Chan-wook, Jeong Seo-kyeong, librement inspiré de Thérèse Raquin d’Émile Zola
  • Interprètes : Song Kang-ho, Kim Ok-vin, Shin Ha-kyun, Kim Hae-sook
  • Durée : 2 h 14 environ
  • Genre : Drame, horreur, fantastique

Voir aussi dans le glossaire : Mort, Ténèbres, Lumière (maçonnique).

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Ultraviolet (Film)

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Film de science-fiction d’action écrit et réalisé par Kurt Wimmer en 2006, Ultraviolet met en scène Milla Jovovich en femme infectée par un virus qui lui donne des capacités surhumaines, dans un futur gouverné par un pouvoir sanitaire autoritaire. Sans lien avec la Franc-maçonnerie, il figure dans la filmographie comme parabole de l’exclusion de ceux qui échappent aux catégories du pouvoir.

De quoi parle Ultraviolet ?

Au milieu du XXIe siècle, une expérience clandestine destinée à créer des soldats améliorés échappe à tout contrôle. Un virus se répand et transforme une partie de l’humanité en « hémophages », êtres proches des vampires, plus forts et plus rapides que les humains mais condamnés à une vie brève. Une guerre éclate, et un gouvernement mondial, l’Archiministère, prend le pouvoir au nom de la santé publique.

Violet, hémophage engagée dans la résistance, est chargée de dérober une arme que le régime s’apprête à utiliser contre les siens. Elle découvre que cette arme est un enfant de neuf ans, Six. Au lieu d’exécuter sa mission, elle décide de le protéger, contre ses ennemis comme contre ses propres alliés.

Avec Milla Jovovich, Cameron Bright, Nick Chinlund et William Fichtner, le film a été un échec critique et commercial. Son actrice principale a d’ailleurs fait savoir qu’elle avait été tenue à l’écart du montage final, dont elle n’était pas satisfaite.

Ni Loge ni société secrète : un pouvoir qui exclut

Ultraviolet ne contient aucune référence à la Franc-maçonnerie, ni même à une société secrète au sens propre. S’il figure dans le dossier de 450.fm, c’est pour la figure qu’il propose : une humanité divisée en purs et impurs, un régime qui se pare d’une autorité quasi religieuse (son chef porte le titre de vice-cardinal) et qui pourchasse ceux qui ne rentrent pas dans ses normes.

On reconnaît là un motif que l’histoire de la Franc-maçonnerie connaît de l’intérieur : celui du pouvoir qui désigne un groupe comme contagieux pour justifier sa persécution. Les régimes autoritaires du XXe siècle ont traité les francs-maçons, comme d’autres minorités, en corps étranger à extirper ; le film transpose ce mécanisme dans un futur stylisé.

Il ne faut toutefois pas surinterpréter : Ultraviolet est d’abord un film d’action aux images très travaillées, et sa réflexion politique reste esquissée. Il vaut comme parabole, non comme discours.

Lecture symbolique : protéger l’enfant

Le geste central du film est un refus d’obéir. Violet, qui pourrait se contenter de servir son camp, choisit de protéger un enfant que tous veulent utiliser. Ce choix de conscience contre la discipline de groupe est la seule véritable transformation du récit, et il lui donne sa dimension morale.

L’enfant porte en lui à la fois la menace et la promesse : il peut détruire ou guérir, selon l’usage que l’on fera de lui. Cette ambivalence rappelle que le savoir et la puissance ne valent que par la main qui les guide. La lumière ultraviolette du titre, invisible à l’œil nu, suggère une vérité qui échappe au regard ordinaire.

Le lecteur maçon pourra y voir une méditation sur la liberté de conscience et sur la tolérance : accepter celui qui est différent, refuser de réduire un être humain à sa catégorie, défendre le plus faible quand l’ordre établi le condamne.

Fiche technique

  • Titre original : Ultraviolet
  • Année : 2006
  • Pays : États-Unis
  • Réalisation : Kurt Wimmer
  • Scénario : Kurt Wimmer
  • Interprètes : Milla Jovovich, Cameron Bright, Nick Chinlund, William Fichtner
  • Durée : 1 h 28 environ
  • Genre : Science-fiction, action

Voir aussi dans le glossaire : Liberté, Tolérance.

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Anatomie (Film)

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Glossaire de la franc-maçonnerie

Thriller allemand écrit et réalisé par Stefan Ruzowitzky en 2000, Anatomie révèle Franka Potente en étudiante en médecine qui découvre, à l’université de Heidelberg, une société secrète pratiquant des expériences sur des êtres vivants. Rien de maçonnique, mais une puissante fable sur le savoir devenu privilège de caste, et sur une fraternité qui a renié toute conscience.

De quoi parle Anatomie ?

Paula Henning, brillante étudiante issue d’une lignée de médecins, obtient une place convoitée dans un cours d’été d’anatomie à Heidelberg, où son grand-père fut un professeur renommé. Dans le train, elle sauve la vie d’un jeune homme victime d’un malaise. Quelques jours plus tard, elle reconnaît son corps sur la table de dissection.

Intriguée par des incisions anormales et une étrange marque au pied du cadavre, Paula enquête. Elle remonte la piste d’une organisation ancienne, nichée au cœur de la faculté, qui se dit « anti-hippocratique » et pratique la dissection sur des vivants qu’elle juge indignes. Ses camarades, ses professeurs et sa propre famille deviennent suspects.

Porté par Franka Potente, révélée peu avant par Cours, Lola, cours, avec Benno Fürmann, Anna Loos et Traugott Buhre, le film a été l’un des plus grands succès en langue allemande de l’année 2000 et a connu une suite, Anatomie 2, en 2003.

Une société secrète qui renie le serment

Anatomie ne parle pas de Franc-maçonnerie. La confrérie qu’il invente est une pure fiction : une société d’étudiants et de praticiens qui se transmet d’une génération à l’autre un serment inversé, celui de servir la science contre l’homme. Elle a ses rites, ses signes d’appartenance, ses anciens haut placés et sa loi du silence.

Le film figure dans la filmographie de 450.fm parce qu’il met en scène, avec une efficacité glaçante, le fantasme d’une élite secrète qui se croit au-dessus de la morale commune. Ce schéma, que l’antimaçonnisme a souvent plaqué sur les Loges, est ici rattaché à une institution universitaire allemande, ce qui lui donne une résonance historique : le spectre des médecins criminels du nazisme plane sur le récit sans être explicitement nommé.

La confusion à éviter est double : ni la Franc-maçonnerie, ni les sociétés d’étudiants réelles n’ont rien à voir avec cette confrérie. Le film parle d’une dérive possible de tout groupe fermé qui fait de son savoir un pouvoir, non d’une organisation existante.

Lecture symbolique : le savoir sans conscience

Rabelais le disait déjà : « science sans conscience n’est que ruine de l’âme ». Anatomie en offre une illustration presque littérale. Le savoir y devient un privilège que l’on se réserve entre initiés, au lieu d’être un bien que l’on met au service d’autrui. C’est la caricature même d’une transmission.

Le cadavre, la table de dissection et le scalpel rappellent, pour le maçon, la méditation sur la mort et sur la fragilité du corps que propose tout parcours initiatique. Mais là où cette méditation conduit à l’humilité, la confrérie du film en tire un sentiment de toute-puissance : regarder la mort en face ne l’a pas rendue plus humaine, mais plus cruelle.

Le choix de Paula, partagée entre l’admiration pour ses maîtres et la fidélité à sa propre conscience, constitue la véritable épreuve du film. Il rappelle qu’aucune appartenance, aucune loyauté de corps, ne saurait l’emporter sur le respect de la personne humaine.

Fiche technique

  • Titre original : Anatomie
  • Année : 2000
  • Pays : Allemagne
  • Réalisation : Stefan Ruzowitzky
  • Scénario : Stefan Ruzowitzky
  • Interprètes : Franka Potente, Benno Fürmann, Anna Loos, Sebastian Blomberg, Traugott Buhre
  • Durée : 1 h 40 environ
  • Genre : Thriller, horreur

Voir aussi dans le glossaire : Élites, Fraternité défigurée, Confusion entre secret et dissimulation.

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Glossaire de la franc-maçonnerie